Les collectionneurs habitués à pousser les lourdes portes vitrées de la galerie Hauser & Wirth à Zurich, Londres ou New York savent que le richissime couple suisse formé par Manuela Hauser et Iwan Wirth, l’un des plus puissants du monde de l’art, ne fait rien à moitié. Durslade Farm, leur domaine situé à moins d’une heure de Bristol, témoigne encore d’une ambition monumentale.
Pour accéder aux œuvres, les visiteurs longent une épicerie où ont été réunis les meilleures pièces de boucherie, le nec plus ultra du cidre et des laitages du Somerset, cette verdoyante campagne au sud de l’Angleterre. Il faut passer devant la terrasse du restaurant pour découvrir la première sculpture d’Henry Moore, parmi la centaine rassemblée pour une rétrospective qui débute le 28 mai : une arche de 700 kilos et de six mètres de haut, inspirée du site néolithique de Stonehenge.
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![« Henry Moore s’installe, pendant la guerre, à Perry Green dans le hameau de Much Hadham dont il annexe au fur et à mesure différents bâtiments qu’il transforme en ateliers dédiés à des techniques spécifiques. Ce premier atelier est utilisé pour réaliser des sculptures de grand format directement taillées dans le bois. A plusieurs reprises, Moore reprend des œuvres fabriquées en plâtre qu’il transpose dans un autre matériau, comme ici le bois. »]()
Henry Moore dans son atelier à Perry Green, devant « Upright Internal-External Form », 1952
« Henry Moore s’installe, pendant la guerre, à Perry Green dans le hameau de Much Hadham dont il annexe au fur et à mesure différents bâtiments qu’il transforme en ateliers dédiés à des techniques spécifiques. Ce premier atelier est utilisé pour réaliser des sculptures de grand format directement taillées dans le bois. A plusieurs reprises, Moore reprend des œuvres fabriquées en plâtre qu’il transpose dans un autre matériau, comme ici le bois. » ROGER WOOD/HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Le motif de la mère et l’enfant préoccupe Henry Moore dès ses premières œuvres et tout au long de sa carrière. Elle lui permet notamment de travailler des rapports de forces entre deux formes interdépendantes. Si la plupart des représentations mettent en avant la dimension affective de cette relation, celle-ci dévie vers quelque chose de plus animal et violent, l’enfant essayant de dévorer littéralement le sein maternel. »]()
Maquette for « Mother and Child », 1952
« Le motif de la mère et l’enfant préoccupe Henry Moore dès ses premières œuvres et tout au long de sa carrière. Elle lui permet notamment de travailler des rapports de forces entre deux formes interdépendantes. Si la plupart des représentations mettent en avant la dimension affective de cette relation, celle-ci dévie vers quelque chose de plus animal et violent, l’enfant essayant de dévorer littéralement le sein maternel. » HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Moore réalise de nombreux dessins de projets pour des sculptures, remplissant des pages de ces variations. Pourtant quand l’artiste passe du dessin à la maquette, c’est de nouvelles variations qui prennent forme sous ses doigts. Dessinateur de talent, Moore leur accorde une attention toute particulière qui dépasse largement le statut d’esquisses préparatoires. »]()
« Monoliths », 1934
« Moore réalise de nombreux dessins de projets pour des sculptures, remplissant des pages de ces variations. Pourtant quand l’artiste passe du dessin à la maquette, c’est de nouvelles variations qui prennent forme sous ses doigts. Dessinateur de talent, Moore leur accorde une attention toute particulière qui dépasse largement le statut d’esquisses préparatoires. » SARAH MERCER/HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Dans les années 1960, Moore revient vers des formes abstraites qu’il a déjà travaillées dans les années 1930. Cette sculpture ouverte met en tension deux pointes prêtes à se toucher. Comme souvent dans les œuvres de Moore, les sources d’inspiration sont multiples : un caillou percé, le dessin stylisé d’un squelette d’éléphant ou deux doigts sur le point de pincer quelque chose. »]()
« Working Model for Oval with Points », 1968-69
« Dans les années 1960, Moore revient vers des formes abstraites qu’il a déjà travaillées dans les années 1930. Cette sculpture ouverte met en tension deux pointes prêtes à se toucher. Comme souvent dans les œuvres de Moore, les sources d’inspiration sont multiples : un caillou percé, le dessin stylisé d’un squelette d’éléphant ou deux doigts sur le point de pincer quelque chose. » HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« La “Reclining Figure” (figure allongée) est certainement le sujet le plus caractéristique de l’œuvre de Moore. Alors que les sculpteurs modernes privilégient souvent la verticalité, l’artiste lui préfère l’horizontalité. Ces figures trouvent leurs sources notamment dans la statuaire mexicaine et plus particulièrement dans la représentation du “Chacmool”. A l’instar de Rodin, ses œuvres semblent composites comme s’il avait réutilisé des éléments provenant de différents styles, du plus réaliste au pratiquement abstrait. »]()
« Reclining Figure », 1982
« La “Reclining Figure” (figure allongée) est certainement le sujet le plus caractéristique de l’œuvre de Moore. Alors que les sculpteurs modernes privilégient souvent la verticalité, l’artiste lui préfère l’horizontalité. Ces figures trouvent leurs sources notamment dans la statuaire mexicaine et plus particulièrement dans la représentation du “Chacmool”. A l’instar de Rodin, ses œuvres semblent composites comme s’il avait réutilisé des éléments provenant de différents styles, du plus réaliste au pratiquement abstrait. » JONTY WILDE/HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Cette arche évoque à la fois une roche érodée, travaillée par le vent, et l’agrandissement monumental d’os. Elle invite à la traverser ou à s’y blottir. La version plus réduite a d’ailleurs été rebaptisée par Moore “Large Torso” (grand torse) accentuant le caractère figuratif de la sculpture. De la maquette en plâtre à la version la plus monumentale en pierre travertine, installée de manière permanente dans le parc royal de Kensington à Londres. »]()
« The Arch », 1963-69
« Cette arche évoque à la fois une roche érodée, travaillée par le vent, et l’agrandissement monumental d’os. Elle invite à la traverser ou à s’y blottir. La version plus réduite a d’ailleurs été rebaptisée par Moore “Large Torso” (grand torse) accentuant le caractère figuratif de la sculpture. De la maquette en plâtre à la version la plus monumentale en pierre travertine, installée de manière permanente dans le parc royal de Kensington à Londres. » HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Dans les années 1930, Moore réalise plusieurs sculptures influencées par les surréalistes. Il expose cette pièce en 1936 à Londres dans l’exposition organisée par Roland Penrose à côté des principaux artistes français : Dali, Picasso, Giacometti. La forme ovoïde de la sculpture rappelle le caractère originel de l’humanité et l’idée de percer la sculpture apparaît pour la première fois dans cette œuvre. »]()
« Figure », 1933-34
« Dans les années 1930, Moore réalise plusieurs sculptures influencées par les surréalistes. Il expose cette pièce en 1936 à Londres dans l’exposition organisée par Roland Penrose à côté des principaux artistes français : Dali, Picasso, Giacometti. La forme ovoïde de la sculpture rappelle le caractère originel de l’humanité et l’idée de percer la sculpture apparaît pour la première fois dans cette œuvre. » HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Invité à contribuer au Festival of Britain avec une de ses sculptures iconiques de cette période : “Family Group”, Moore préfère imaginer une pièce inédite qui marque véritablement un tournant dans son œuvre. La découverte des possibilités du plâtre lui permet d’imaginer une structure affinée. Moore dira de cette œuvre qu’elle lui permet pour la première fois de mettre sur un pied d’égalité la forme et l’espace qui l’entoure. »]()
« Working Model for Reclining Figure Festival », 1950
« Invité à contribuer au Festival of Britain avec une de ses sculptures iconiques de cette période : “Family Group”, Moore préfère imaginer une pièce inédite qui marque véritablement un tournant dans son œuvre. La découverte des possibilités du plâtre lui permet d’imaginer une structure affinée. Moore dira de cette œuvre qu’elle lui permet pour la première fois de mettre sur un pied d’égalité la forme et l’espace qui l’entoure. » HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Pendant les bombardements du Blitz, les Londoniens prennent l’habitude de descendre dans les stations de métro annexées en refuges. En descendant dans une des stations, Moore a la révélation de reconnaître ses propres figures dans ces corps alignés les uns contre les autres. A plusieurs reprises, l’artiste réalise des croquis repris ensuite en couleur à son retour à l’atelier. A l’époque, de nombreuses commandes sont passées à des artistes britanniques pour couvrir la guerre et ses effets sur les populations. Ces dessins exposés dans plusieurs musées de Grande-Bretagne lui vaudront son premier grand succès public. »]()
« Study for Tube Shelter Perspective The Liverpool Street Extension », 1931-1941
« Pendant les bombardements du Blitz, les Londoniens prennent l’habitude de descendre dans les stations de métro annexées en refuges. En descendant dans une des stations, Moore a la révélation de reconnaître ses propres figures dans ces corps alignés les uns contre les autres. A plusieurs reprises, l’artiste réalise des croquis repris ensuite en couleur à son retour à l’atelier. A l’époque, de nombreuses commandes sont passées à des artistes britanniques pour couvrir la guerre et ses effets sur les populations. Ces dessins exposés dans plusieurs musées de Grande-Bretagne lui vaudront son premier grand succès public. » HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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![« Œuvre importante de l’après-guerre, elle incarne le courage et la résilience des Britanniques après la guerre. Amputé d’un bras et d’une jambe, le guerrier, en équilibre sur son socle, continue à esquiver les coups démontrant sa bravoure et sa persistance à combattre jusqu’au bout. La forme est inspirée d’un caillou trouvé par l’artiste au bord de la mer et d’un voyage en Grèce qui ravive son intérêt pour la mythologie. »]()
« Warrior with Shield », 1953
« Œuvre importante de l’après-guerre, elle incarne le courage et la résilience des Britanniques après la guerre. Amputé d’un bras et d’une jambe, le guerrier, en équilibre sur son socle, continue à esquiver les coups démontrant sa bravoure et sa persistance à combattre jusqu’au bout. La forme est inspirée d’un caillou trouvé par l’artiste au bord de la mer et d’un voyage en Grèce qui ravive son intérêt pour la mythologie. » STEFAN ALTENBURGER/HENRY MOORE FOUNDATION ARCHIVE
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« La sculpture est un art de plein air, professait l’artiste décédé en 1986. La lumière du jour, celle du soleil, lui est nécessaire et pour moi le meilleur environnement de la sculpture est la nature, elle la complète. Je préfère voir une de mes œuvres dans un paysage quel qu’il soit plutôt que dans le plus beau bâtiment qui existe. » La galerie invite ici à approcher l’un des plus fameux sculpteurs britanniques, au rythme de la nature et de la gastronomie.
Alliance de l’art et de l’art de vivre
« Quand nous sommes arrivés ici, en 2005, c’était pour retrouver l’atmosphère rurale qui nous manquait depuis que nous avions quitté Zurich pour Londres », raconte Iwan Wirth devant un café torréfié par la maison. A l’entendre, l’histoire de Hauser Wirth Somerset s’est nouée au fil du temps, parce qu’il fallait bien produire les bons produits qui manquaient aux alentours, y compris des moutons et des vaches croisées wagyu-angus, puis du vin et bientôt du champagne. Puis loger les amis, les collaborateurs et, aujourd’hui, les touristes et les collectionneurs, dont certains viennent tout exprès en jet.
Le projet a changé d’échelle. Les visiteurs découvrent les bâtiments rénovés par l’architecte Luis Laplace, complétés d’extensions récentes, ouvrant sur un jardin planté de fleurs sauvages et de folles herbacées, dessiné par le paysagiste star néerlandais Piet Oudolf. L’alliage de l’art et de l’art de vivre est explicité dans un angle du restaurant, avec cette immense vitrine sur laquelle est collé le message « This is not an art work… This is art of food ».
Pendues derrière la paroi de verre, de larges pièces de viandes maturent devant un mur composé de briques en sel d’Himalaya… « La dernière chose dont je m’inquiétais, c’était le succès commercial de Somerset, mais ça marche du tonnerre ! », se félicite Iwan Wirth, qui a comptabilisé plus de 100 000 visiteurs depuis 2014. Parmi eux, ses « cent top collectionneurs ». Ce succès lui a donné envie de reproduire l’expérience en 2021 sur l’île sauvage de Minorque, en Espagne.
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